Leo FernandesForward Thinking 2025 é um manifesto para trazer humanidade a tudo o que você faz como uma pessoa criativa. Nesta peça, James Britton analisa como o motion design se tornou tão essencial para como evocamos personalidade por meio de telas, e como o meio pode evoluir ainda mais. Uma mudança gradual redefiniu como as marcas mantêm a identidade nos últimos anos, perseguindo públicos enquanto eles navegam entre janelas infinitas. Em um mundo em constante movimento, o manifesto explora o impacto crescente que essa demanda está tendo sobre os criativos nos bastidores.
Tudo se encontra em constante movimento
Nosso consumo de cultura está em constante movimento. Velocidades de conexão mais rápidas nos levaram a um mundo onde a reprodução automática silenciosamente se tornou o padrão – sempre ativa, 24 horas por dia, 7 dias por semana, em telas de todos os formatos e tamanhos. Acordamos para verificar uma tela de retrato, antes de um dia entrando e saindo de janelas em um monitor. Mais tarde, nos acomodamos para mais uma projeção – desta vez para relaxar – e observamos como uma tela se transforma na próxima (provavelmente com outra interface firmemente em mãos).
Tanto no estilo quanto na velocidade, o motion hoje reflete esse comportamento em constante mudança. No entanto, um dos primeiros exemplos do meio, criado por Oskar Fischinger em 1938, era muito mais meditativo.
Um Poema Óptico se assemelhava a uma viagem espacial com centenas de recortes de papel, durando mais de cinco minutos — uma vida inteira em comparação com nossa atual cultura visual instantânea. Não se trata apenas de mídia social, onde o período de atenção de oito segundos foi
bem documentado . O movimento instantâneo pode ser encontrado em um número crescente de plataformas, dispositivos, produtos e serviços. O movimento não é mais apenas um elemento de design; as marcas agora precisam existir em um estado permanente de movimento.
Uma sutil invasão
Essa mudança teve um impacto sutil, mas significativo, nos fluxos de trabalho dos motions designers. Não mais confinado aos blocos de construção de logotipo, tipografia e cor, o comportamento de movimento se tornou inseparável da identidade da marca. Brilhar, piscar, pulsar; faz sentido que as marcas queiram se apropriar de características que trazem humanidade ao que antes era estático. Pense no Headspace e seu personagem de respiração lenta , Ebb, ou Nike imitando o movimento energético dos atletas. O motion design pode ser um elemento transformador para qualquer marca que queira evocar caráter, emoção e personalidade.
É uma maré crescente que profissionais especialistas, como a artista digital e motion designer Rose Pilkington, vêm notando há algum tempo. “Definitivamente, vi uma mudança com os clientes”, diz Rose, que criou pedras preciosas em evolução para o Google e o gradiente “sempre em movimento” do ícone do Instagram. “Acho que é porque o movimento permite muito mais expressão visual — você pode ultrapassar os limites muito mais e realmente nada está fora de alcance. Especialmente quando se trata de visualizar conceitos abstratos.”
As marcas precisam se movimentar
“As marcas agora precisam existir em um estado permanente de movimento.”James Britton
Essa demanda crescente por ativos de movimento também levou à tensão em um contexto de branding. O movimento, por natureza, é fluido e adaptável. O branding é inerentemente sobre consistência e repetição. Você estaria certo em pensar que esses dois fatores estão naturalmente em desacordo – e agora, precisamos de novos conhecimentos para preencher a lacuna. A demanda por originalidade e um senso do personalizado permanece, mas existe ao lado da necessidade de considerar o impacto de elementos sistemáticos – cortes, formatos e proporções – nos estágios iniciais.
Como resultado, os comportamentos de movimento podem ser bastante complexos. Seja você um estúdio ou um freelancer, você provavelmente está se encontrando em um mundo de diretrizes, kits de ferramentas e modelos. Liza Enebeis, diretora criativa e sócia do Studio Dumbar/DEPT, compara isso a seguir uma receita: “É quase como um livro de receitas, certo? Um chef tem um livro de receitas, e você pode obter os ingredientes.”
Neste contexto, Dumbar é responsável por escrever essa receita. Os entregáveis finais apresentam documentos detalhados para acompanhar os projetos, oferecendo “as ferramentas para as pessoas continuarem”, como Liza descreve. “Estamos sempre cientes de que estamos sendo solicitados a criar um sistema com o qual outras pessoas possam realmente trabalhar.” E assim como você pode adicionar um ou dois ingredientes extras, “você tem que deixar espaço para eles brincarem”, ela acrescenta. “Acho que isso é algo que também ajuda a garantir a longevidade.”
Equilibrar as forças é preciso
É verdade que impor diretrizes pode às vezes parecer contraintuitivo — descobrir regras primeiro e, então, impor essas limitações durante o processo criativo. Mas, se você puder equilibrar experimentação e contenção, isso significará que o trabalho parecerá propositalmente construído para onde quer que esteja sendo visto. “Em muitos projetos, as pessoas veem o trabalho e presumem que ele é muito livre, como se fosse um playground”, continua Liza. “No entanto, por trás dele, é realmente um sistema lindamente projetado que o faz funcionar… O exterior só pode parecer bom porque é bem projetado por dentro.”
A crescente dependência do movimento criou uma necessidade por um design mais inteligente e escalável, ao mesmo tempo em que pressiona os designers a criar ativos de forma mais eficiente. Em resposta, as empresas de software estão intervindo para desenvolver recursos para auxiliar novos fluxos de trabalho. Um exemplo é o software de motion graphics, Cavalry. “Criado por animadores, nascido de um estúdio de motion design”, como seu CEO Chris Hardcastle descreve, o Cavalry é movido por um ethos de “sempre tentar ser completamente relevante para as necessidades dos artistas”, construindo propositalmente um ambiente para soluções escaláveis.
Uma visão de bastidores
Com uma perspectiva única nos bastidores, Chris está bem ciente de que os criativos estão girando vários pratos: “O design de movimento é um processo de vários estágios de storyboard, desenvolvimento de visual, ilustração, animatics, tempo, áudio e entrega”. Para atender a essas demandas, a Cavalry coloca recursos metódicos no centro de seu software. Isso inclui ferramentas que oferecem “a flexibilidade de combinar dados de planilhas e APIs com nossa renderização dinâmica” e aplicativos de parceiros como o Cavalry Control, que “fornece uma maneira para os criativos distribuírem sistemas de design complexos e personalizados para seus clientes”. Se isso parece abstrato, deveria – esta é a estrutura que muitos designers navegam ao construir sistemas de movimento hoje.
E essa relação mais complexa entre o designer de movimento e o cliente também resultou em um novo debate. À medida que novas técnicas e fluxos de trabalho se tornam mais estabelecidos, é cada vez mais comum que os clientes peçam arquivos de origem como entregas. Compreensivelmente, essa é uma solicitação que alguns artistas e empresas hesitam em atender.
“Alguns anos atrás, arquivos de projeto nunca teriam sido um ativo entregável, mas parece ser mais solicitado agora em trabalhos onde as saídas da campanha são tão multifacetadas”, diz Rose. Isso geralmente ocorre devido à necessidade do cliente de modificar a saída para especificações específicas, mas na visão de Rose, “o trabalho de um artista deve ser entregue finalizado e não adulterado”. Há um forte argumento para esse ponto de vista. Muitos designers viram seu trabalho entregue (mesmo com um conjunto rígido de diretrizes), apenas para ver uma versão cortada e fechada desajeitada aparecer no Instagram.
“O exterior só pode ter uma boa aparência porque é bem projetado por dentro.”Liza Enebeis